Pablo Serra y Jose Miguel Marty

Del 7 de Septiembre al 13 de Octubre

La muestra de los artistas Pablo Serra y José Miguel Marty titulada “The world needs a hero”, reúne una serie de pinturas que traducen y cuestionan las problematicas de la pintura como práctica, dentro del arte contemporáneo.
“Forzar una simetría entre la actual crisis económica norteamericana y la crisis que arrastra la representación puede resultar arriesgado como substrato discursivo de una muestra de pintura”, afirman los artistas Pablo Serra y José Miguel Marty, que agregan que “si nos aventuramos, podríamos sostener que así como la crisis de los activos sub-prime y su consecuente falta de liquidez fue desatada por la especulación y la desregulación del modelo, una suerte similar corrió la pintura como disciplina al constituirse en objeto de sistemáticos embates por parte de las vanguardias para devenir en plataforma experimental”.

Para los artistas “la especulación en las artes visuales -como las burbujas financieras- es producto de su apertura similar. La expansión y permeabilidad de la pintura a nuevos soportes, su simulación publicitaria, la apropiación iconográfica popular, su transparencia, etc., en definitiva este influjo y reflujo de transacciones responde a una necesidad crítica de adaptación y renovación para preservarse”.

Y agregan que “en este contexto, la figura del artista maestro que crea prodigios ha sido relegada al plano de ‘operador visual’ que indistinta e indiferentemente codifica la producción cultural. ‘Donde alguien pierde, otro se beneficia’, el estado de crisis fomenta la emergencia de nuevos actores, de populismos, así como la necesidad de caudillos y héroes”.

Es en este punto donde pretende instalarse la propuesta de Pablo Serra y José Miguel Marty: plantear el desarrollo de sus respectivos trabajos como un medio que se encuentra supeditado no solo a la lógica (y a la crisis) interna de la actividad pictórica y a las reflexiones puramente estéticas, sino también a la posición geográfica y cultural, al orden geopolítico y los vaivenes de la economía entre otros factores propios de la inserción en un sistema global. De esta forma, ambos artistas hacen eco del antagonismo quizá más relevante de la contingencia a nivel mundial: la crisis de la superpotencia norteamericana y la emergencia bullante del gigante chino.

El contrapunto discursivo pretendido por los artistas supone una tensión al estar contenido en el aspecto formal de los trabajos. Ambos se apropian de la iconografía que provee la industria del entertainment. Pero mientras Serra deforma y vulnera la figura de los superhéroes clásicos por medio de los diseños en plasticina modelados por un niño de 6 años, Marty apuesta por el icono de Bruce Lee diseñado para el popular y antiguo videojuego, utilizandolo como modulo ya sea para construir coreografías multitudinarias o un dragón de gran formato. Gesto, que en el caso de ambos artistas, busca evocar una atmósfera bélica, pero a su vez de afectada ingenuidad.

José Miguel Marty, Santiago de Chile, 1983. Estudios: Licenciado en Artes Plásticas especialidad Pintura , Universidad de Chile , 2006. Pintura I y II en el taller de Gonzalo Díaz y Enrique Matthey. Pintura III en el taller de Francisco Brugnoli. Actualmente cursando el Magíster en Artes Visuales, U de Chile. Participante activo del colectivo “Corredores de larga distancia”. Exposiciones recientes: 2007 – “Corredores de larga distancia, exposición grupal Sala Juan Egenau, Universidad de Chile, Las Encinas. 2007 – “ XXIX Concurso Nacional de Arte y Poesía Joven ”, Sala El Farol, Universidad de Valparaíso. 2008 – “Corredores de larga distancia II”, exposición grupal Galería Posada del Corregidor. 2008 – “Transmisión de corta distancia”, instalación de “Corredores de larga distancia”, Galería BECH.

Pablo Serra, Santiago de Chile, 1983. Estudios: 2006 Licenciatura en Artes Visuales con mención en pintura. Exposiciones recientes: 2008 – “Fábulas morales”, Galería Bech.
2008 – “Corredores de larga distancia II” (colectiva, Galería Posada del corregidor). 2008 – “EXPRESS” (muestra colectiva) Sala de exposiciones, U. de la Serena.
2008 – “Transmisión en vivo” (instalación de “Corredores de larga distancia”), Galería Balmaceda 1215. 2008 –“Transmisión de corta distancia”, Galería Bech (instalación de “Corredores de larga distancia”). 2008 – “Fábulas morales”, Galería Bech (muestra individual).

Como resultado del alto interés manifestado, hemos extendido la fecha de cierre de la convocatoria al día Lunes 06 de Septiembre hasta las 20:00 hrs.

Sala Cero invita a artistas menores de 30 años, a presentar sus propuestas con miras a formar parte de nuestro programa de exposiciones del año 2011, donde se seleccionarán 3 fechas.
Los proyectos pueden ser enviados vía correo electrónico a salacero@galeriaanimal.com o dejar un cd en Galería Animal / Av. Alonso Córdova 3105, Vitacura.
No existen restricciones temáticas ni de formato, más allá de las consideraciones que deben tenerse en cuenta a la hora de elegir un montaje apropiado, dadas las características de la sala.
La propuesta puede ser individual o colectiva y debe ser presentada junto a trabajos anteriores y el currículum de los participantes.
El material enviado para la convocatoria queda en poder de la galería y cada cd debe venir etiquetado con el nombre del artista que lo presenta y su email.
Los plazos de recepción de proyectos van desde el jueves 22 de julio hasta el lunes 06 de Septiembre a las 20:00 hrs.
En caso de consultas o mayor información del espacio y postulaciones pueden escribir a salacero@galeriaanimal.com

Lee el artículo aqui

Aymara Zegers y Florencia Grisanti

Del 3 al 28 de Agosto

El proyecto Ensayo Bífido comenzó con las artistas como intérpretes de un método científico basado en las prácticas anatómicas. Durante una semana trabajaron en el taller de anatomía, especificamente en la sala de disección y conservación de materiales orgánicos, con todo aquello que habían recolectado durante un período de 6 meses. El registro en tiempo real de esta  acción/intervención, fue proyectada con un día de desfase durante la primera semana en la Galería . Luego del término de la acción, se exhibió por las 3 semanas restantes el archivo material de ésta.

El método de trabajo estuvo determinado por la especulación científica y la práctica artística, a través de las cuales se experimentó entre  la relación del sujeto contemplativo, el cuerpo-objeto y el contexto que los contiene.

Finalizando la exposición con la publicación de  un VADEMÉCUM , libro/objeto (numerado de 70 ejemplares) que da cuenta del proceso experimentado en Sala Cero.
*VADEMÉCUM es un compendio científico que reune 26 fotogramas de las sesiones experimentales realizadas en el Taller de Anatomia de la Escuela de Medicina de la Universidad de Chile por Grisanti y Zegers, junto a documentos textuales de las sesiones por Nelund. Esta compuesto por 26 fotogramas y texto, envueltos en tela quirúrgica y encajados en una caja de metal hecha a mano.

Florencia Grisanti (1983) es licenciada en Artes Plásticas con mención en grabado en la Universidad Finis Terrae. El año 2006 gana el primer lugar del Encuentro Metropolitano de Artes Visuales cuyo premio le permite viajar a Florencia, Italia. Ese mismo año comienza una residencia en el Museo Nacional de Historia Natural de Santiago donde ingresa como aprendiz de taxidermista para explorar las posibilidades del residuo orgánico como material para su obra.

En los tres años que dura esa residencia, la artista desarrolla el proyecto “Honesta Anatomía”, una instalación dentro del tercer piso abandonado del museo que consistiía en elaborar un gabinete de curiosidades con los sedimentos y material de desecho orgánico recolectado de los barrios periféricos del museo: Estación Central y Quinta Normal. Comienza con esa obra una larga investigación sobre la recolección y la metamorfosis póstuma de los cuerpos inertes. Actualmente “Honesta Anatomía continua montada en el Museo de Historia Natural como una colección abandonada, siguiendo con el propósito de infiltrarla en la plataforma de las exhibiciones de la institución.

En el marco de esta investigación, el año 2009 Florencia Grisanti es admitida dentro del taller de Anatomía Normal de la escuela de Medicina de la Universidad de Chile, donde aprende nuevas técnicas de conservación de tejidos orgánicos y se aproxima al estudio sobre el cuerpo humano y su relación con la institución científica.

En la actualidad se encuentra en Paris desarrollando un proyecto de performance que vincula su trabajo con la poesía sonora y el video arte, con el cual continúa su investigación sobre los espacios donde convergen el arte y la ciencia.

Para más información ver www.florenciagrisanti.com

Aymara Zegers (1982) es licenciada en Artes Plásticas con mención en escultura en la Universidad Finis Terrae. En el año 2007 comienza sus estudios de Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile. Impulsada por llevar a cabo una investigación donde converjan el arte y la ciencia, entra como voluntaria al Centro de Aves Rapaces de Talagante, lo cual le permite explorar en metodologías naturalistas y ornitológicas como material para la construcción de su obra. La recolección de materias orgánicas pertenecientes a los distintos reinos, su clasificación y dispositivos que atraen animales, son elementos que nutren su investigación objetual dando origen a la construcción de los proyectos de intervención en bosques y montañas;: cajas-nido para lechuzas blancas y piedras-habitáculos como intersticios para la ocupación de insectos. Estos como especies de trampas que atraen animales para luego observarlos; donde la reflexión de una mirada objetiva se instala en el deseo de una mirada expectante frente a la naturaleza de las cosas.

En la actualidad su exploración sigue vinculada al universo naturalista el cual le ha permitido encontrarse con objetos curiosos como las egagropilas; regurgitados de búhos compuestos por pelos, uñas y huesos de ratón. Estos ratones momificados por el cuerpo del ave funcionan como pequeños modelos anatómicos que utilizará para el proyecto reciente “Ensayo Bífido” en el Taller de Anatomía Normal de la Escuela de Medicina de la Universidad de Chile, en la cual es admitida como aprendiz de técnicas de conservación y manipulación de tejidos orgánicos.

Para más información ver http://cargocollective.com/aymarazegers

Paloma Palomino

Lee el artículo aqui ]]> http://www.salacero.cl/?feed=rss2&p=2158 0 http://www.salacero.cl/?p=2151 http://www.salacero.cl/?p=2151#comments Mon, 19 Jul 2010 16:33:12 +0000 Cony Robles http://www.salacero.cl/?p=2151

Lee el artículo aquí

Lee el artículo aquí

Paula Anguita

Del 7 al 31 de Julio

El próximo 7 de julio a las 19:30 horas se inaugura en la Sala Cero de la Galería Animal la exposición de la artista Paula Anguita titulada “IBIDEM, aquí mismo” que reúne una serie de trabajos que constituyen un estudio sobre la mirada y el cuerpo, un cuerpo fragmentado y detallado que transforma la muestra en una suerte de sala de operaciones o en un inquietante inventario de la historia de la pintura.

Ibídem es un cultismo latino que significa «aquí mismo» o «en el mismo lugar» y se usa en las citas o notas bibliográficas de un texto para referir a una obra que ya fue citada o a la que se ha hecho referencia. De esta manera la artista explica que “la muestra Ibidem trata de una obra a la que se ha hecho referencia. Se refiere a que si bien las imágenes las tomo de enciclopedias y libros en general, éstas no responden a una continuidad temática. Cada trabajo es un universo independiente de los otros pero que dialogan entre ellos, al igual que un libro compuesto por diferentes capítulos, los trabajos son citas de un mismo libro. Ibidem”.

La muestra revela los intersticios e interiores del cuerpo dejando entrever, mediante un mínimo de desplazamiento del observador, una perspectiva oculta. La artista logra este efecto mediante la utilización del dispositivo llamado fresnel que consiste en una especie de estructura geométrica en la cual los planos son plegados a modo de acordeón con imágenes diferentes en cada unos de los lados de los prismas triangulares. De esa manera al mirar de un extremo se visualiza una imagen y, al hacerlo desde el otro, una diferente. Se trata así de la convergencia de múltiples imágenes en un mismo soporte. “Aquí mismo alude al momento, al aquí está ocurriendo. Con el trabajo de técnica fresnel la única manera de visualizarlo es in situ, en el lugar mismo. Tanto con el fresnel (se fragmentan las imágenes) como con la temática (la temática no es continua), está presente la fragmentación en la exposición. Por lo que se somete al observador a tener que enfrentarse a la fragmentación del cuerpo y del tema”, agrega Paula Anguita.

Mediante la técnica fresnel la imagen vive una potencial ruptura que no es necesariamente irreversible. Este trabajo exige un observador activo que se someta a su juego, dispuesto a ver cómo una imagen se vuelve acontecimiento, siendo él mismo el que disecciona los cuerpos haciéndose a su vez partícipe de la ilusión de un cuerpo sin fisuras. “El observador se vuelve cómplice del asesinato de la imagen. Se convierte en víctima y asesino a la vez al estar sometido con su desplazamiento a la bisección de la imagen, de los cuerpos. Cuerpos que se vieron cerrados, súbitamente muestran sus interiores”, agrega la artista. “La obra se constituye como una serie dinámica de estados diversos. La imagen se vuelve inestable, mutando en su recorrido, sufre perturbaciones en su estructura, aparece en un momento dado y se transforma repentinamente en otra”.

De éste modo, “sóle es posible visualizar una perspectiva, un punto de vista que se encuentra lejano a poder abarcar la totalidad de los hechos. De manera que se puede sostener que de la obra en sí, no se puede hacer una lectura completa, sólo puede ser perceptible fragmentariamente ya que siempre habrá un lado que se oculta a la mirada. Muestra los límites de nuestra propia mirada”, explica la artista.

La muestra está compuesta por una segunda parte titulada “Índice de Artisticidad”. Ésta consiste en un inventario de manos, compuesta por una vitrina de 300 x 60 x 10 cm., en el que se disponen 100 frascos con impresiones en transparencia de las manos pintadas por algunos de los pintores más relevantes de la historia de la pintura occidental. Es un índice en el que se pueden visualizar los detalles de cada estilo y artista. “A través del detalle en pintura se puede ver tanto el estilo como la autenticidad de la obra”, expone Paula Anguita, “muchas falsificaciones de pinturas se descubren en detalles obviados por el imitador, como el lóbulo de la oreja, la terminación de las manos, dedos, uñas. Este trabajo muestra el detalle. Pero también está presente el tema del corte-fragmento y fractura de la imagen, ya que mirándolo fuera del propósito de ser un índice, este reúne 100 manos que se encuentran cortadas, amputadas de su anterior entorno, dispuestas en frascos cual fuera un museo de anatomía”.

Paula Anguita, Santiago de Chile, 1978. Licenciada en Artes, Mención Gráfica Universidad Finis Terrae (2000), siguió sus estudios de gráfica en el Instituto Quasar, Roma – Italia (2003 – 2004) y cursó un Magíster en Artes Visuales, Universidad de Chile (2008). Ha realizado exposiciones individuales en Galería BECH (2008); Goethe-Institut Chile (2006); Centro Cultural de España junto a Pedro Tyler (2003), Bienal de Beijing (2009). Obtuvo premio Fondart (2008).

Elías Santis

Del 18 de mayo hasta el 19 de junio

A “Terrícolas”  lo componen 9 pinturas de tamaños diferentes, desde la miniatura hasta el gran formato, pintadas en acrílico sobre tela.

Estas nueve imágenes o mensajes provenientes de la totalidad universal de la que también formas parte, representan y a la vez pertenecen a una serie de movimientos constantes accionados por los habitantes de la Tierra. Está claro que hay un evidente hincapié en los movimientos evolutivos de la especie humana y esto se debe a la simple razón de que es ésta, al menos hasta ahora, la única especie interesada en percibir estos mensajes de forma consciente y por su propia voluntad.
Lo que no implica que otras especies se vean afectadas ya que al vivir todas bajo el mismo espacio-tiempo esto se hace inevitable.

Hay misterios por develar en las pinturas , conozco algunos pocos, muchos otros no. Estamos trabajando juntos y puede que eso que buscamos, ese significado, esa comprensión de las nueve imágenes se revele ante nosotros inmediatamente o en unos 60 años , lo importante es que para ese entonces querramos o no habremos contribuido a la inminente eclosión de nuestra conciencia.

Con Amor
Elías Santis

Lee el artículo aquí

Lee el artículo aquí

Para leer el artículo haz click aquí. Publicado el 10 de abril de 2010

Daniela Kovačić

Santiago, abril 2010.- El próximo martes 13 de abril a las 19:30 horas se inaugura en la Sala Cero de la Galería Animal la muestra de la artista Daniela Kovačić titulada “Versus”, un conjunto de 10 autorretratos al óleo sobre tela en formato vertical (200 x 135 cm cada uno), en la que se expone sobre un fondo plano la imagen de una mujer joven conteniendo y/o sosteniendo distintos alimentos en su boca tal como mermelada, carne, pescado y golosinas, para nombrar sólo algunos elementos.

Según explica la artista, “el trabajo que realizo se centra en los conflictos internos del sujeto, los cuales represento a través del retrato. Utilizo el rostro como medio comunicador, como conector del invisible interior hacia el plano visible y superficie”.

La muestra maquina mediante la representación pictórica la común confrontación crónica y a veces dolorosa de la mujer con su auto-imagen. Representa la lucha entre el cuerpo sentido y su imagen reflejada. Así, la presencia de comida en los retratos responde a la necesidad de hacer evidente el conflicto expuesto sobre trastornos con la imagen propia como serían los denominados “desordenes alimenticios”. Estos cuadros encarnan el sufrimiento de una mente rumiante y de ideas obsesivas con algo tan ordinario y normal como lo es el alimentarse cada día. Algo que, por orden lógico, no debiera constituir angustia alguna si se poseen los medios para obtenerlo.

Por medio de estos retratos, la pintora desea transmitir una molestia continua creada mediante una imagen que se podría calificar de grosera. “Creo que el modelo elegido se encuentra en ese límite ya que no alcanza a ser asqueroso ni terrible, tan sólo puede causar un poco de molestia. Sin embargo, la repetición y constancia de este modelo logra que esa pequeña molestia sea continua y se vuelva crónica”, agrega Kovačić.

Daniela Kovačić, egresó el 2006 de Licenciatura en Arte, Mención Pintura de la Universidad Finis Terrae. Durante el 2007 expluso en el 2do Concurso de Arte Joven MAVI, Concurso Bontá MAC y en la muestra “Laberintos de amor y erotismo” en la Casona Nemesio Antúnez. El 2008 participó en la muestra “TRANS: 9 miradas entorno al retrato”, en “ArtBo: Feria de arte Bogotá”.

Artículo sobre la muestra en Diario La Tercera (publicado el 6 de abril de 2010, página 40)